par Lindsay Eagar

Art et technologie

L'histoire du son dans les salles de cinéma est en fait l'histoire d'une relation entre la technologie et l'art. Des films étaient créés et la technologie était développée pour améliorer la présentation du film ; une nouvelle avancée technologique changeait la façon dont les cinéastes tournaient leurs films. De magnifiques partitions étaient composées pour pallier le manque de dialogues parlés dans les films. Les effets sonores sont devenus une sous-industrie à part entière avec ses propres astuces, ses machines et les attentes du public. Les salles de cinéma se sont standardisées, les studios exigeant certaines technologies et protocoles avant d'autoriser la projection de leurs films.

Et comme pour de nombreuses autres avancées technologiques, nous devons remercier Thomas Edison d'avoir lancé son développement.

Synchronisation

Le premier problème était la synchronisation. La musique et les sons pouvaient être enregistrés, mais les maintenir parfaitement synchronisés avec le film projeté était presque impossible. Edison avait déjà breveté le phonographe en 1888, qui enregistrait et rejouait le son gravé sur des cylindres de cire. Il a développé une machine à pièces appelée Kinetophone — celle-ci mariait les sons préenregistrés d'un phonographe avec la bande de film projetée sur un Kinétoscope.

En 1894, un salon Kinetophone a ouvert ses portes à New York. Cinq de ces machines "peep-show" étaient accessibles au public, et le public les a appréciées. Il s'agissait de courts-métrages, d'une durée de seulement trois ou quatre minutes.

L'un de ces films originaux de Kinetophone a été restauré en 1998 — il montre un homme jouant du violon dans le pavillon d'enregistrement d'un phonographe tandis que deux autres hommes valsent et s'amusent derrière lui. C'est très amusant et léger, et cela vaut le coup d'œil.

Edison pensait que l'avenir du cinéma résidait dans les machines à pièces pour la consommation individuelle, et non dans les projections de masse pour le public. Pour être juste, il y avait de nombreux problèmes avec la projection sonore — il n'y avait pas de système d'amplification au-delà du pavillon d'un phonographe, et il était trop facile de perdre la synchronisation si un disque sautait un sillon.

D'autres inventeurs ont tenté de résoudre ces problèmes de projection. À l'Exposition universelle de Paris en 1900, trois dispositifs de synchronisation de phonographe différents ont été présentés pour être utilisés dans les salles de cinéma — le Phonorama, le Chronophone et le Phono Cinéma Théâtre. Mais tous ces dispositifs se sont avérés avoir des problèmes pour maintenir la synchronisation entre la projection du film et le son. Et toujours, il n'y avait aucun moyen d'amplifier le volume suffisamment fort pour que tout le public puisse entendre.

Musique en direct (ou amplification)

Au cours des vingt années qui ont suivi les premières expériences sonores/cinématographiques d'Edison, les films sont devenus une source principale de divertissement bon marché pour le public. Les machines à sous de cinéma (parfois appelées nickelodeons) ont laissé place aux cinémas palaces, et en 1915, la plupart de ces grands et magnifiques cinémas ont engagé des orchestres en direct pour accompagner les films et fournir des effets sonores. De nombreux réalisateurs ou studios ont commandé des partitions spéciales pour correspondre aux films qu'ils avaient créés.

Cependant, seuls les plus grands cinémas pouvaient se permettre ce genre d'accompagnement grandiose. Les petites salles utilisaient des pianistes, ce qui représentait encore une dépense importante. Pour réduire les coûts des musiciens en direct, des efforts ont été faits pour développer la technologie de la musique préenregistrée — et cette fois, les producteurs tentaient de placer l'audio sur la bande de film elle-même.

En 1919, trois inventeurs allemands ont breveté un processus qui convertissait les ondes audio en électricité, laquelle était ensuite convertie en lumière. Lors de la relecture après l'enregistrement, la lumière était reconvertie en électricité et en son. Cela a résolu le problème de synchronisation du son dans les films, mais il restait le problème de l'amplification.

La technologie de diffusion radio a ajouté de nouvelles possibilités à l'amplification sonore des salles de cinéma. En 1906, le Dr Lee Deforest a breveté le tube audion, un appareil électronique qui amplifiait les petits signaux — cela est devenu la base de la radiodiffusion et des appels téléphoniques longue distance, et en 1922, Deforest a créé la société Deforest Phonofilm, produisant une série de courts métrages. En 1924, 34 cinémas de la côte Est étaient équipés pour le son Phonofilm.

Cette technologie a inspiré les producteurs à réaliser et à montrer plus de mille nouveaux films au cours des quatre années suivantes — des numéros de vaudeville aux humoristes en passant par les discours de Calvin Coolidge, le public a regardé et écouté ces courts métrages dans les salles de cinéma de toute la côte Est.

Hollywood, cependant, n'a pas été impressionné. Deforest a proposé sa technologie Phonofilm aux studios de cinéma de la côte ouest, mais pour eux, la tendance du son dans les films n'était que cela — une tendance. Ils avaient bâti toute une industrie autour des films muets et n'étaient pas intéressés par le passage aux "films parlants..." à l'exception d'un studio.

Un studio

En 1926, Warner Bros., utilisant une technologie de disque développée par Western et Bell Electric Company et un financement de Goldman Sachs, a créé la société Vitaphone. Leur objectif était de louer cette technologie à d'autres studios, et il est intéressant de noter qu'ils n'ont jamais envisagé que la technologie soit utilisée pour des dialogues à l'écran. Elle était toujours destinée à synchroniser l'accompagnement musical.

Pour démontrer les capacités de Vitaphone, Warner Bros a lancé une première d'un montant de trois millions de dollars au Warner Theater de New York en 1926. C'était également l'un des premiers théâtres à être climatisé — un « théâtre réfrigéré », comme on l'appelait. Le film présenté s'appelait Don Juan, avec le célèbre acteur John Barrymore et une partition enregistrée interprétée par le New York Philharmonic. Ce fut un énorme succès critique et financier. Warner Bros a fait tourner le film — et le nouveau système sonore — dans tous les États-Unis et en Europe. Pourtant, les autres studios de cinéma n'étaient toujours pas convaincus de l'avenir du son.

Hollywood ne misait pas sur le son synchronisé et préenregistré — il était toujours considéré comme une simple nouveauté. Mais Warner Bros était si certain que ce serait l'avenir des films. Ils ont construit le premier studio de son à la fin des années 1920. Ils ont également signé un accord, avec plusieurs autres studios, producteurs et magnats d'Hollywood, stipulant que si une conversion de l'industrie au son avait lieu, ils adopteraient tous un système sonore unique et standardisé. C'est ce qu'on a appelé l'accord des Big Five.

Un tournant majeur pour Hollywood fut le film de 1927, Le Chanteur de jazz. Il fut initialement produit comme un film muet avec un accompagnement musical, mais l'acteur Al Jolson improvisa plusieurs répliques, qui furent incluses dans la production comme partie de l'histoire. Ce fut aussi le début d'un nouveau style de jeu d'acteur et de narration au cinéma — au lieu que les acteurs utilisent des mouvements exagérés et des cartons de films muets pour expliquer les dialogues et autres détails, les acteurs allaient désormais développer une nouvelle forme de jeu réaliste. Les émotions étaient reproduites et transmises au public. Les mouvements étaient subtils. Le but était la vraisemblance.

Le Chanteur de jazz a eu un tel succès qu'il a finalement fait basculer l'industrie vers un nouveau type de divertissement cinématographique : les films avec son synchronisé et préenregistré, incluant les dialogues, la musique et les effets sonores. En 1928, tous les grands cinémas du pays étaient câblés pour le son. En 1929, 75 % des films produits étaient des films parlants.

Plus de 300 millions de dollars ont été dépensés pour convertir l'industrie à cette nouvelle technologie, la majeure partie étant empruntée à Wall Street. Rockefeller et JP Morgan figuraient parmi les prêteurs qui ont investi dans ce changement, et l'investissement a été très rentable. Le public ne s'en lassait pas. Il venait voir chaque nouveau film — l'industrie cinématographique a survécu à la Grande Dépression en partie parce qu'elle avait fait la transition vers le son au bon moment. Ces investissements majeurs dans la technologie sonore n'auraient pas été disponibles après le krach.

La prochaine innovation majeure dans la technologie sonore des salles de cinéma est apparue grâce à l'avènement de la télévision.

Compétition à l'ère de la télévision

Pendant la majeure partie des années 1930, 40 et 50, les films étaient produits dans ce qu'on appelle « l'âge d'or » d'Hollywood. Des films de tous les genres ont été réalisés — comédies musicales somptueuses, dessins animés, comédies burlesques, comédies romantiques, films d'horreur. Les films présentaient des bandes-son étranges, du doublage, des effets sonores réalistes, des dialogues incroyables et spirituels.

Mais lorsque la télévision est devenue un incontournable des foyers au début des années 1950, la fréquentation des salles de cinéma a chuté de 50 %. Les gens préféraient rester à la maison pour regarder leurs émissions préférées plutôt que d'aller au cinéma… les cinémas ont donc dû trouver une raison de faire sortir leurs clients potentiels de chez eux. Ils devaient créer quelque chose que les clients ne pouvaient pas obtenir avec leurs propres téléviseurs à la maison.

De nombreuses nouvelles fonctionnalités ont été introduites dans les salles de cinéma, notamment les projections grand écran, les écrans géants, la 3D stéréoscopique et le son multipiste. L'objectif était de créer une expérience avec chaque film, une sensation immersive. Le film de Disney de 1940, Fantasia, a été le premier film avec un format sonore multicanal, et son succès a lancé une série d'avancées dans l'expérience cinématographique : Cinerama, un nouveau système grand écran audacieux, des écrans inclinés pour envelopper le public et l'immerger dans l'image, sept canaux audio, des haut-parleurs placés tout autour de la salle pour un son surround, des canaux doubles.

Les bandes magnétiques de la piste audio n'étaient pas durables pour la plupart des salles de cinéma. Avec le temps, les bandes s'usaient, ce qui entraînait la formation d'oxyde de fer qui s'écaillait dans les projecteurs et provoquait des incendies. Les studios ont expérimenté d'autres technologies sonores, mais l'Académie des arts et des sciences du cinéma a insisté sur la cohérence — les grandes salles de cinéma pouvaient se permettre un meilleur son, les petites salles ne pouvaient pas suivre les dernières innovations technologiques. L'Académie a annoncé une configuration de fréquence standardisée, de sorte que même avec les pires systèmes audio, les ingénieurs du son pouvaient au moins savoir comment calibrer leur audio.

Un problème majeur avec tous ces enregistrements audio multipistes était un sifflement aigu, un bruit statique horrible qui provenait des canaux dormants et masquait souvent les pistes audio actuelles. Un ingénieur du son nommé Ray Dolby a trouvé une solution — en divisant le signal d'entrée et en appliquant une compression, il pouvait réduire le bruit ambiant. Le système Dolby est devenu une norme dans les nouveaux systèmes des années 1970.

Dolby a introduit de nombreux systèmes mis à jour au cours des quarante dernières années, y compris un système spécial dévoilé par Star Wars : Un Nouvel Espoir de 1977. Inspiré par ces réalisations en matière de conception sonore, George Lucas a développé un système officiel d'assurance qualité pour les salles de cinéma : la certification THX. Les salles de cinéma qui répondaient aux critères de réverbération, de bruit rose et de technologie de système sonore pouvaient afficher leur certification THX avant le début du film.

Le son numérique a une fois de plus révolutionné la façon dont le son est enregistré, mixé et diffusé pour les films. Actuellement, les cinémas équipés pour l'audio numérique peuvent présenter l'audio sur seize canaux différents — il est également à noter que de nouveaux développements se produisent presque chaque année maintenant, et une grande partie de l'ingénierie sonore est réalisée projet par projet.

Aussi notable ? Quelle que soit la configuration sonore, la plupart des ingénieurs du cinéma s'accordent à dire que le meilleur endroit pour s'asseoir pour une expérience audio maximale est au centre de la salle, aux deux tiers de l'arrière. Espérons que la prochaine fois que vous regarderez les Oscars et que vous serez tenté de zapper toutes les récompenses de conception sonore, vous comprendrez pourquoi ces catégories ont été créées en premier lieu.

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Lindsay Eagar est l'auteure de plusieurs romans pour enfants et adultes, notamment HOUR OF THE BEES et plus récemment THE PATRON THIEF OF BREAD. Elle vit dans les montagnes de l'Utah avec son mari et leurs deux filles.