von Lindsay Eager

Kunst & Technologie

Die Geschichte des Tons in Kinos ist eigentlich die Geschichte einer Beziehung zwischen Technologie und Kunst. Filme wurden erstellt und Technologie entwickelt, um die Präsentation des Films zu verbessern; ein neuer technologischer Durchbruch veränderte die Art und Weise, wie Filmemacher ihre Filme drehten. Wunderschöne Partituren wurden komponiert, um das Fehlen von gesprochenem Dialog in Filmen auszugleichen. Soundeffekte entwickelten sich zu einer eigenen Unterindustrie mit eigenen Tricks, Maschinen und Erwartungen des Publikums. Kinos wurden standardisiert, wobei Studios bestimmte Technologien und Protokolle vorschrieben, bevor sie ihre Filme zeigen ließen.

Und wie bei vielen anderen technologischen Fortschritten haben wir Thomas Edison zu danken, dass er diese Entwicklung angestoßen hat.

Synchronisation

Das erste Problem war die Synchronisation. Musik und Geräusche konnten aufgenommen werden, aber sie perfekt mit dem projizierten Film synchron zu halten, war nahezu unmöglich. Edison hatte bereits 1888 den Phonographen patentiert, der in Wachszylinder gravierte Töne aufnahm und wiedergab. Er entwickelte eine münzbetriebene Maschine namens Kinetophon – diese verband die vorab aufgezeichneten Töne eines Phonographen mit dem projizierten Filmstreifen auf einem Kinetoskop.

1894 eröffnete ein Kinetophon-Salon in New York City. Fünf dieser „Guckkasten“-Maschinen waren für die Öffentlichkeit zugänglich, und das Publikum genoss sie. Es waren kurze Filme, nur drei oder vier Minuten lang.

Einer dieser originalen Kinetophon-Filme wurde 1998 restauriert – er zeigt einen Mann, der Geige in ein Phonographen-Aufnahmehorn spielt, während zwei andere Männer dahinter Walzer tanzen und herumalbern. Es ist sehr unterhaltsam und leichtfüßig und sehenswert.

Edison glaubte, die Zukunft der Filme liege in münzbetriebenen Maschinen für den individuellen Konsum, nicht in Massenprojektionen, die sich das Publikum gemeinsam ansieht. Fairerweise muss man sagen, dass es viele Probleme mit der Tonprojektion gab – es gab kein Verstärkungssystem außer dem Horn eines Phonographen, und es war zu leicht, die Synchronisation zu verlieren, wenn eine Platte eine Rille übersprang.

Andere Erfinder versuchten, diese Projektionsprobleme zu lösen. Auf der Pariser Weltausstellung im Jahr 1900 wurden drei verschiedene Phonographen-Synchronisationsgeräte für den Einsatz in Kinos vorgestellt – das Phonorama, das Chronophone und das Phono Cinema Theatre. Aber alle diese erwiesen sich als problematisch, um die Synchronisation zwischen Filmprojektion und Ton aufrechtzuerhalten. Und immer noch gab es keine Möglichkeit, die Lautstärke so zu verstärken, dass sie für ein ganzes Publikum laut genug war.

Live-Musik (oder Verstärkung)

In den zwanzig Jahren nach Edisons ersten Ton-/Filmexperimenten wurden Filme zu einer Hauptquelle preiswerter Unterhaltung für die Öffentlichkeit. Die münzbetriebenen Filmautomaten (manchmal Nickelodeons genannt) wichen Kinopalästen, und 1915 stellten die meisten dieser großen, prächtigen Theater Live-Orchester ein, um die Filme zu begleiten und Soundeffekte zu liefern. Viele Regisseure oder Studios beauftragten spezielle Partituren, die zu den von ihnen geschaffenen Filmen passten.

Allerdings konnten sich nur die größten Theater diese Art von grandioser Begleitung leisten. Kleinere Spielstätten setzten Pianisten ein, was immer noch einen großen Kostenfaktor darstellte. Um die Kosten für Live-Musiker zu senken, wurden Anstrengungen unternommen, die Technologie für vorab aufgenommene Musik zu entwickeln – und diesmal versuchten die Produzenten, den Ton auf den Filmstreifen selbst zu bringen.

1919 patentierten drei deutsche Erfinder ein Verfahren, das Audiowellen in Elektrizität umwandelte, welche dann in Licht umgewandelt wurde. Bei der Wiedergabe nach der Aufnahme wurde das Licht wieder in Elektrizität und in Ton umgewandelt. Dies löste das Synchronisationsproblem für Ton in Filmen, aber das Problem der Verstärkung bestand weiterhin.

Die Radiosendetechnologie eröffnete neue Möglichkeiten für die Tonverstärkung in Kinos. 1906 patentierte Dr. Lee Deforest die Audionröhre, ein elektronisches Gerät, das kleine Signale verstärkte – dies wurde die Grundlage für Radioübertragungen und Ferngespräche, und bis 1922 gründete Deforest die Deforest Phonofilm Company, die eine Reihe von Kurzfilmen produzierte. Bis 1924 waren 34 Kinos an der Ostküste für Phonofilm-Ton verkabelt.

Diese Technologie inspirierte Produzenten dazu, in den nächsten vier Jahren über tausend neue Filme zu drehen und zu zeigen – von Vaudeville-Nummern über Stand-up-Comedians bis hin zu Reden von Calvin Coolidge sahen und hörten das Publikum diese Kurzfilme in Kinos an der gesamten Ostküste.

Hollywood war jedoch nicht beeindruckt. Deforest bot seine Phonofilm-Technologie den Filmstudios an der Westküste an, aber aus deren Sicht war der Trend zum Ton im Film nur das – ein Trend. Sie hatten eine ganze Industrie um Stummfilme aufgebaut und waren nicht daran interessiert, auf „Tonfilme“ umzusteigen… mit Ausnahme eines Studios.

Ein Studio

1926 gründeten Warner Bros. mit Hilfe der von Western und Bell Electric Company entwickelten Disc-Technologie und der Finanzierung durch Goldman Sachs die Vitaphone Corporation. Ihr Ziel war es, diese Technologie an andere Studios zu vermieten, und interessanterweise stellten sie sich die Technologie nie für den Einsatz von Dialogen auf der Leinwand vor. Sie war immer dazu gedacht, die musikalische Begleitung zu synchronisieren.

Um die Fähigkeiten von Vitaphone zu demonstrieren, veranstaltete Warner Bros. 1926 eine Premiere für drei Millionen Dollar im Warner Theater in New York City. Dies war auch eines der ersten Theater mit Klimaanlage – ein „gekühltes Theater“, wie es genannt wurde. Der gezeigte Film hieß Don Juan mit dem bekannten Schauspieler John Barrymore und einer aufgenommenen Partitur, die von den New Yorker Philharmonikern gespielt wurde. Es war ein großer kritischer und finanzieller Erfolg. Warner Bros. tourte mit dem Film – und dem neuen Soundsystem – durch die gesamten Vereinigten Staaten und Europa. Doch andere Filmstudios waren noch immer nicht von der Zukunft des Tons überzeugt.

Hollywood unterstützte den synchronisierten, vorab aufgenommenen Ton nicht – er wurde immer noch als bloße Neuheit angesehen. Aber Warner Bros. war sich so sicher, dass dies die Zukunft der Filme sein würde. Sie bauten Ende der 1920er Jahre das erste Tonstudio. Sie unterzeichneten auch eine Vereinbarung mit mehreren anderen Studios, Produzenten und Hollywood-Mogulen, dass im Falle einer branchenweiten Umstellung auf Ton ein einziges, standardisiertes Soundsystem eingeführt werden würde. Dies wurde als Big Five Agreement bezeichnet.

Ein wichtiger Wendepunkt für Hollywood war der Film The Jazz Singer von 1927. Dieser wurde ursprünglich als Stummfilm mit musikalischer Begleitung produziert, doch der Schauspieler Al Jolson improvisierte mehrere Zeilen, und diese wurden als Teil der Geschichte in die Produktion aufgenommen. Dies war auch der Beginn eines neuen Stils des Schauspiels und Geschichtenerzählens im Film – anstatt dass Schauspieler übertriebene Bewegungen und Stummfilmkarten verwendeten, um den Dialog und andere Details zu erklären, entwickelten die Schauspieler nun eine neue, realistische Form des Schauspiels. Emotionen wurden nachgebildet und dem Publikum vermittelt. Bewegungen waren subtil. Ziel war die Verisimilitude.

The Jazz Singer war so erfolgreich, dass er die Branche schließlich in die neue Art der Filmunterhaltung stürzte: Filme mit synchronisiertem, vorab aufgenommenem Ton, einschließlich Dialog, Musik und Soundeffekten. Bis 1928 waren alle großen Kinos des Landes für Ton verkabelt. Bis 1929 waren 75 % der produzierten Filme Tonfilme.

Über 300 Millionen Dollar wurden für die Umstellung der Branche auf diese neue Technologie ausgegeben, größtenteils von der Wall Street geliehen. Rockefeller und JP Morgan gehörten zu den Kreditgebern, die in diese Veränderung investierten, und die Investition zahlte sich reichlich aus. Das Publikum konnte nicht genug bekommen. Es kam, um jeden neuen Film zu sehen – die Filmindustrie überlebte die Große Depression teilweise, weil sie im richtigen Moment auf Ton umgestiegen war. Diese großen Investitionen in die Tontechnik wären nach dem Crash nicht mehr verfügbar gewesen.

Die nächste große Innovation in der Kinotontechnik erfolgte aufgrund des Aufkommens des Fernsehens.

Wettbewerb in der Fernseh-Ära

Die meisten Filme der 1930er, 40er und 50er Jahre wurden in der sogenannten „Studio-Ära“ Hollywoods produziert. Es wurden Filme aller Genres gedreht – aufwendige Musicals, animierte Spielfilme, Slapstick-Komödien, romantische Screwball-Komödien, Horrorfilme. Filme zeigten unheimliche Soundtracks, Synchronisationen, realistische Soundeffekte, unglaubliche und witzige Dialoge.

Doch als das Fernsehen in den frühen 1950er Jahren zu einem Haushaltsartikel wurde, sank die Besucherzahl in den Kinos um 50 %. Die Leute zogen es vor, zu Hause zu bleiben und ihre Lieblingssendungen anzusehen, anstatt ins Kino zu gehen … also mussten die Kinos einen Grund finden, ihre potenziellen Kunden aus dem Haus zu locken. Sie mussten etwas schaffen, das die Kunden nicht mit ihren eigenen Fernsehgeräten bekommen konnten.

Viele neue Funktionen wurden in den Theatern eingeführt, darunter Breitbildprojektionen, riesige Leinwände, stereoskopisches 3D und Mehrkanalton. Ziel war es, mit jedem Film ein Erlebnis zu schaffen, ein immersives Gefühl. Disneys Film Fantasia von 1940 war der erste Film mit einem Mehrkanal-Tonformat, und sein Erfolg löste eine Reihe von Fortschritten im Theatererlebnis aus: Cinerama, ein kühnes neues Breitbildsystem, schräge Leinwände, um das Publikum zu umhüllen und es in das Bild zu integrieren, sieben Audiokanäle, Lautsprecher im gesamten Theater für Surround-Sound, Zweikanäle.

Die magnetischen Tonspuren waren für die meisten Kinos nicht nachhaltig. Mit der Zeit nutzten sich die Streifen ab, was zu Eisenoxid führte, das in die Projektoren abbröselte und Brände verursachte. Studios experimentierten mit anderer Tontechnik, aber die Academy of Motion Pictures and Sciences bestand auf Konsistenz – größere Kinos konnten sich besseren Ton leisten, kleinere Theater konnten mit den neuesten Technologien nicht mithalten. Die Academy kündigte eine standardisierte Frequenzeinstellung an, so dass selbst mit den schlechtesten Soundsystemen die Toneditoren zumindest wussten, wie sie ihren Ton kalibrieren konnten.

Ein großes Problem bei all diesen Mehrspur-Audioaufnahmen war ein starkes Rauschen, ein schreckliches statisches Geräusch, das von inaktiven Kanälen herrührte und oft die aktuellen Audiospuren überdeckte. Ein Toningenieur namens Ray Dolby fand eine Lösung – indem er das Eingangssignal aufteilte und Kompression anwendete, konnte er das Umgebungsgeräusch reduzieren. Dolbys System wurde in den neueren Systemen der 1970er Jahre zum Standard.

Dolby hat in den letzten vierzig Jahren viele aktualisierte Systeme eingeführt, darunter ein spezielles System, das 1977 bei Star Wars: A New Hope vorgestellt wurde. Inspiriert von diesen Errungenschaften im Sounddesign entwickelte George Lucas ein offizielles Qualitätssicherungssystem für Kinos: die THX-Zertifizierung. Kinos, die die Kriterien für Nachhall, rosa Rauschen und Soundsystemtechnologie erfüllten, konnten ihre THX-Zertifizierung vor Filmbeginn vorzeigen.

Digitaler Ton hat die Art und Weise, wie Ton für Filme aufgenommen, gemischt und geliefert wird, erneut revolutioniert. Derzeit können Kinos, die für digitalen Ton ausgestattet sind, den Ton in sechzehn verschiedenen Kanälen präsentieren – es ist auch bemerkenswert, dass neue Entwicklungen nun fast jährlich stattfinden und ein Großteil des Soundengineerings projektbezogen erfolgt.

Auch bemerkenswert? Unabhängig von der Tonanlage sind sich die meisten Kinoingenieure einig, dass der beste Platz für ein maximales Audioerlebnis in der Mitte des Theaters, etwa zwei Drittel hinten, ist. Hoffentlich werden Sie, wenn Sie das nächste Mal die Academy Awards ansehen und versucht sind, die Auszeichnungen für Sounddesign zu überspringen, verstehen können, warum diese Kategorien überhaupt geschaffen wurden.

Mehr von dieser Autorin lesen Sie in The Sound of Creative Limitations oder Look to the Juggalos

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Lindsay Eagar ist die Autorin mehrerer Romane für Kinder und Erwachsene, darunter HOUR OF THE BEES und zuletzt THE PATRON THIEF OF BREAD. Sie lebt mit ihrem Mann und ihren beiden Töchtern in den Bergen von Utah.