J'avais oublié ce que l'on ressentait à écouter de la musique en direct. La pandémie, et la pauvreté avant cela, avaient mis fin à toute musique dans ma vie, à l'exception de ce qui sortait de mon petit haut-parleur et résonnait sur les murs de béton pendant que je travaillais. Mais les choses changeaient. Tout changeait. Les feuilles, le temps, la pandémie. Au début de l'automne en Caroline du Nord, tout s'ouvrait timidement assez pour que la musique live puisse revenir dans ma vie.
La musique live après (ou presque) le COVID
C'était un festival folk, en plein air, dans les rues avec des food trucks et des brasseries locales et toutes sortes de gens impatients et excités d'être sortis de chez eux. J'avais oublié ce que l'on ressentait à être avec des gens et de la musique live, à écouter un groupe de musique indépendante inconnu faire ses premières armes et apprendre à interagir avec l'énergie de la foule.
J'avais en fait commencé chez EARPEACE quelques semaines auparavant et c'était ma première occasion d'essayer notre protection auditive sur le terrain. Je suis une fervente partisane du son fort. Le genre de son qui fait vibrer la grosse caisse dans tout mon corps. Le genre de son qui ne se soucie pas des problèmes de santé de demain. J'avais peur que les bouchons d'oreille ne réduisent le volume à quelque chose de calme et d'émoussé qui enlèverait l'intensité brute et corporelle de la musique live. Mais quand je me suis arrêtée sous un orme feuillu et que j'ai glissé les bouchons d'oreille de concert dans mes oreilles, j'ai été choquée de découvrir que réduire le bruit n'était pas ce qu'ils faisaient, pas vraiment. La musique était meilleure. Elle sonnait plus claire et je pouvais toujours sentir les réverbérations comme je le voulais. Mais le bruit, la distorsion, autour de la musique avaient disparu et je pouvais entendre mon partenaire parler à côté de moi sans qu'il ait besoin de crier. De plus, ils étaient si confortables et discrets, que j'ai eu comme une révélation, comme "oh ! Je comprends !" Pour une meilleure expérience, absolument.
Mais aussi excitée que j'étais d'être là, vibrant sous un croissant de lune de Caroline et un excellent groupe de la Nouvelle-Orléans, cela n'a fait qu'aiguiser mon appétit d'être de retour à l'intérieur, à un petit spectacle, entassée aux côtés d'étrangers et tout sombre sauf la scène et le bar.
Les salles indépendantes ont énormément souffert pendant la période du COVID, et pour la plupart des endroits du pays, elles commencent seulement à envisager la possibilité d'être à pleine capacité à nouveau. En écrivant cet article, plusieurs des clubs que j'ai recherchés ont changé de mains pendant la pandémie – étant vendus par les propriétaires de longue date qui ont rendu ces lieux emblématiques à de nouvelles personnes avec des futurs encore à écrire. Dans certains cas, des clubs étaient fermés et il n'était pas certain qu'ils rouvriraient. Toute cette semaine précédant le Giving Tuesday le 30 novembre, nous nous concentrerons sur la mise en lumière du soutien dont nos salles indépendantes locales auront toujours besoin de notre part, les fans, alors que nous nous sortons tous de cette situation. Voici quelques salles indépendantes emblématiques qui figurent en tête de ma liste à visiter/revisiter de l'autre côté.
Indépendants emblématiques
Le 9:30 Club, l'une des premières salles indépendantes avec lesquelles nous nous sommes associés car c'est notre scène locale, a ouvert ses portes en 1980 dans un sous-sol comme un lieu pour les groupes alternatifs locaux, juste au moment où la scène alternative commençait à émerger. Il était connu sous le nom de 9:30 club à la fois pour son emplacement et l'heure d'ouverture — « 9h30, une heure et un lieu ». Et ce club emblématique a été les deux. Les groupes inconnus qui ont fait leurs débuts sur la scène du 9:30 Club ? Nirvana, Red Hot Chili Peppers, Public Enemy, Fugazi, Bad Brains, R.E.M. et bien d'autres. En 1996, ils ont changé de lieu, mais l'expérience emblématique a continué et récemment Dave Grohl a annoncé des plans pour aider à construire une réplique du club original en sous-sol à côté du nouveau, pour que toute son histoire réside ensemble.
À une cinquantaine de kilomètres au nord du 9:30 Club se trouve le club nommé d'après le chat des propriétaires. L'Ottobar est un petit bar du centre-ville de Baltimore qui a ouvert en 1997, mais qui a accueilli des groupes tels que Bright Eyes, Death Cab for Cutie, Fear, Jimmy Eat World, Queens of the Stone Age, Spoon et The White Stripes. C'est un autre lieu qui a changé d'emplacement mais n'a rien perdu de son caractère, de sa crasse ou de sa gloire de la scène musicale de Baltimore.
Saint Vitus, New York City, NY
Les salles de musique indépendantes et l'histoire de la scène musicale de New York offrent un nombre incroyable de choix, mais le fan de métal dramatique en moi aspire à se rendre sur la scène emblématique de Saint Vitus. Ce bar a ouvert ses portes en 2011 à Greenpoint, Brooklyn, transformant une ancienne école de plomberie en un bar élégant et sombre, parfait pour accueillir des groupes allant du métal, du punk et du hardcore au goth, au post-punk et à l'industriel, se forgeant rapidement une réputation d'expérience. Au fil des ans, il a accueilli des artistes incroyables tels que Chelsea Wolfe, Sannhet, Krallice, The Descendants, Neurosis, Megadeth, Anthrax, Carcass, Killing Joke, Refused et Babes in Toyland. Il est également devenu un espace d'art, de danse et de yoga, aimé et soutenu par sa communauté.
The Orange Peel, Asheville, NC
Nichée dans la charmante ville d'Asheville, dans les montagnes Blue Ridge de Caroline du Nord, se trouve une salle indépendante emblématique qui a commencé comme une patinoire à l'angle de Biltmore Ave. Dans les années 60, elle est devenue le siège de plusieurs clubs de R&B (le dernier étant The Original Orange Peel) mais est restée vacante pendant de nombreuses années jusqu'à ce qu'Asheville commence à réaménager son centre-ville. Aujourd'hui, le Orange Peel Social Aid and Pleasure Club (leur nom complet) est loué pour sa scène, accueillant tout le monde, de Bob Dylan à Ziggy Marley. C'est une pièce vibrante de l'histoire d'Asheville, apportant vie et musique à leur communauté montagnarde.
Chillkoot Charlies, Anchorage, AK
Le « Koot's » a débuté dans les années 1970, lors du boom pétrolier d'Anchorage, comme un bar de quartier avec un piano live. Il est devenu une institution de l'Alaska en se concentrant entièrement sur l'Alaska (ce que ma sœur alaskienne fait aussi). Avec l'essor du pétrole sur le versant nord, le Koot's a également prospéré, et le bar a accueilli des artistes emblématiques tels que Metallica, Ted Nugent, Bad Company, Bryan Adams, Quiet Riot, Great White, Joe Satriani, The Steve Miller Band, Crosby Stills and Nash, Blues Traveler, White Zombie, Bon Jovi, Lynyrd Skynyrd, Ratt, Journey et Ozzy Osbourne. Avec ses planchers en sciure de bois et ses souvenirs de l'Alaska et de la musique jusqu'au plafond, ce bar indépendant emblématique, détenu par ses employés, vaut toujours le détour si vous vous trouvez « au nord ».
Ce qui est spécial à propos du 924 Gilman, c'est qu'il a toujours eu pour objectif de fournir un club sûr et tout public où les fans de punk et de hardcore pouvaient se rassembler et se concentrer sur la créativité. Depuis 1986, le 924 Gilman a fait exactement cela. C'est sur cette scène que Green Day a fait ses débuts, et il reste à ce jour un club de musique, d'art et de communauté à but non lucratif, ouvert à tous les âges et organisé collectivement. Ce qui est sacrément punk.
Autrefois connu sous le nom de "Jewels Catch One", ce lieu était le plus ancien club de danse gay noir de L.A. jusqu'à sa vente en 2015 à ses propriétaires actuels. Son histoire dans la scène indépendante de Los Angeles reste emblématique, ayant accueilli des artistes tels que Sylvester, Whitney Houston, Luther Vandross, Janet Jackson, Donna Summer, Whoopi Goldberg, Rick James et Madonna. La propriétaire et homonyme originale, Jewel Thais-Williams, a acheté le club alors qu'une femme noire n'était pas autorisée à tenir un bar. Mais elle a réussi et, ce faisant, a créé un morceau de l'histoire de Los Angeles.
Pappy & Harriet’s, Pioneertown, CA
Près de Joshua Tree Park, cette salle de musique a commencé comme un saloon de décor pour les tournages de westerns à Pioneertown dans les années 1950. Après le départ d'Hollywood, en 1972, le saloon de décor est devenu un "bar à burritos de motards hors-la-loi" (tant de questions !). Il a été vendu au sein de la même famille au fil des ans, se transformant en un lieu à la fois familial et convivial pour les nomades, avec un barbecue au mesquite, de la danse et une scène emblématique accueillant tout le monde, de Paul McCartney à Lizzo.
Soutenir les salles indépendantes
L'expérience de la musique dans une petite salle indépendante est inégalée – et c'est en partie la raison pour laquelle les grands groupes aiment toujours jouer de petits spectacles. Il y a une intimité dans ces espaces pour les concerts indépendants qui diffère de l'immensité d'un auditorium ou de l'énergie d'un festival. Plus que de la bonne musique, ces bars et clubs font partie de l'histoire locale, des histoires personnelles des groupes et des fans, et offrent des lieux de sécurité et de créativité aux communautés dont ils sont issus. Aujourd'hui plus que jamais, votre salle indépendante locale compte sur vous, sa communauté, pour maintenir ces espaces ouverts à tous ceux qui en ont besoin.
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